Firenze 2021
Флоренция, город который более всего чувствуется как дом. Город гениев и вдохновения. Город в котором вспомнили о величии древнего Рима и восстановили его породив эпоху Ренессанса. Это город, где красота и разум вечно переплетены, холст на котором отпечатлены великие достижения человечества, место, которое манит всех в поисках возвышенного. Как родина Ренессанса и место зарождения современного городского образа жизни, Флоренцию можно назвать культурной столицей Европы.
1. Приехав из Пизы на поезде мы бегом бежим в отель закинуть багаж и устремляемся в лучший музей мира – Галерея Уфиццы!
2. В коридорах галереи выставлены образцы древнего искусства.
3. Галерея имеет форму буквы U, охватывающей двор. Уффици особенно поучительна тем, что она расположена примерно в хронологическом порядке. Прогулка здесь похожа на наблюдение за расцветом Возрождения. Можно проследить эволюцию искусства от плоского и торжественного до трехмерного и живого. Гении Возрождения взяли суровых символических Мадонн и святых и спустили их с небес на землю.
4. Начинается галерея с образцов средневековой живописи раннего ренессанса. Джотто — Мадона с младенцем (~1310). Дева Мария и младенец Иисус сидят на золотом троне в окружении золотого Рая. Тогда невозможно было представить святых, населяющих наш бренный и грешный мир. Именно ренессанс придал этому божественному и недосягаемому образу человеческий реализм. Для Флорентийцев, это означало пере-открытие трёхмерного изображения, они видели божественную красоту в природе и красоте человеческого тела. Через математику и науки они переоткрыли перспективу, и вдохнули реализм в живопись. Для своего времени эта картина была революционна, по сравнению с иконой на фото 4, мы видим измерения её балдахинового трона, мы видим что у Мадонны тоже перестала быть плоской, она стала больше похожа на Римскую статую. В отличии от иконы Дучио, эта картина создаёт как бы расширение пространства, позволяющая нам заглянуть в мир иконы.
5. Это картина Дучио, написанная примерно в то же время - самая плоская, а значит и самая классически средневековая в этом зале. Ангелы просто стоят друг у друга на головах, сама Мадонна как будто висит над троном, а сам трон Мадонны слева кажется повёрнутым, тогда как справа он кажется выставленным ровно, или трон кривой, или что-то не так с перспективой. Мадонна как вырезанная из картона. Что интересно, это византийский стиль иконописи, который нам знаком больше всего, ведь православная иконопись так и не открыла для себя перспективу, в общем, в том числе благодаря церкви мы застряли в средневековье.
6. Симоне Мартини - «Благовещение» 1333 года. В этом позднесредневековом произведении художник сводит всё к основным фигурам, необходимым для передачи сообщения. Ангел кажется строго объявляет Марии, что она будет матерью Иисуса. В центре стоит ваза с лилиями, символ чистоты Марии. Над ней - Святой Дух в виде голубя, готового спуститься на неё. Если символы недостаточно ясны, Симоне Мартини написал это прямо для нас на латыни: Ave gracia plena, радуйся, избранная, Господь с тобой. Мария выглядит не слишком довольной. Это не трёхмерное произведение. Смысл не в воссоздании реальности, а в обучении неграмотных масс религии. Это не красивая Мария и даже не реальная Мария. Она - обобщённая женщина без отличительных черт. Мы знаем о её чистоте не по её лицу, а только из-за ореола и символических цветов.
7. Иисус тут неповторимый, как будто Мария ему сказала кто его отец и он такой «чё серьёзно?».
8. Амброджио Лорензетти «Чудеса Святого Николая» 1348г. Первые попытки создать реальную перспективу.
9. Джентиле да Фабриано - «Поклонение волхвов» 1423 года. Посмотрите на невероятные детали: костюмы трёх волхвов, прекрасные лошади и корова в пещере. Панель заполнена от верха до низа реалистичными деталями, но она далека от реализма. Пока маги поклоняются Иисусу на переднем плане, сцена, показывающая их обратный путь домой, висит над их головами в фоне. Это один из лучших примеров стиля интернациональной готики, популярный среди аристократов Европы в начале 15го века. Он характеризуется изысканно одетыми элегантными людьми и красочной, ориентированной на дизайн обстановкой. Религиозный сюжет лишь предлогом для изображения светских роскошей, таких как одежда и украшения, а фон и передний план сжаты вместе, создавая общий дизайн, приятный для глаза.
10. Мария сложила руки в молитве, а младенец Иисус поднят игривыми ангелочками. Фра Филиппо Липпи, Мадонна с младенцем и двумя ангелами, 1465 год. Умственно сравните эту Марию с обобщённой женщиной в "Благовещении" Симоне Мартини. Нам не нужен эфемерный ореол над её головой, чтобы сказать, что она святая. Она излучает целомудренность и свет своим божественным лицом. Небесная красота выражена физически красивой женщиной. Фра, или брат Липпи, сирота, воспитанный как монах, прожил не очень монашескую жизнь. Он жил с монахиней, которая родила ему двоих детей. Он всю свою жизнь искал совершенную деву, через его студию прошли самые красивые девушки Флоренции, многие из которых украшают стены этой галлереи. Липпи писал идеализированную красоту, но его модели были настоящими людьми из плоти и крови. Вы могли бы просмотреть все тысячи картин из средневековья и не найти ничего такого человечного, как озорное лицо одного из маленьких ангелочков Липпи.
11. Пьетро делла Франческа, портреты Федерико да Монтфельтро и Баттисты Сфорца, около 1475 года. В средневековье только святые и ангелы были достойны быть изображёнными, но в гуманистическое Возрождение даже менее святые люди, как эта пара, сохранили свои черты для потомков. Федерико в красной феске был защитником зарождающегося Возрождения, его жена Баттиста владела несколькими языками и родила семерых детей до двадцати пяти лет. Их друзья описывали любящую пару, как два тела, делящих одну душу. Теперь они два шедевра в одной раме, вечно взирающие друг другу в глаза. Кстати, обычный способ сделать двойной портрет — это поставить мужчину слева, но правая сторона Федерико определённо не была его лучшей. Он потерял правый глаз и переносицу, сражаясь на турнире. Тем не менее, художники Возрождения открыли красоту обычных людей и изобразили их буквально.
12. Лица всё человечнее и ближе.
13. Паоло Уччелло, Битва при Сан-Романо, около 1435 года. Эта картина захватывает решающий момент, когда Флоренция вышла на первый план в Италии. Это битва между Флоренцией и её заклятым соперником Сиеной. Лошади поднимаются на дыбы, и рыцари падают на землю, когда флорентийские войска, наступающие слева со своими копьями и арбалетами, находятся на пике битвы. Флорентийский капитан, парень слева на красной лошади, вонзает своё копьё прямо в генерала Сиены, рыцаря на белой лошади. Рыцарь падает назад, силы Сиены разбиты и находятся в хаосе. Эта картина также захватывает решающий момент, когда ранние художники Возрождения впервые добились победы в своей долгой борьбе за освоение трехмерности. Ключ к достижению реализма заключался в создании иллюзии трехмерности на двумерном холсте. В этой картине Паоло Уччелло поставил перед собой каждую возможную задачу. Эта красочная битвенная сцена не столько произведение искусства, сколько упражнение в линейной перспективе. Обратите внимание, как сломанные копья слева создают своего рода трехмерную сетку, затем Уччелло помещает эту многолюдную сцену на эту сетку. Ближние объекты, такие как лошади, больше, чем объекты, расположенные дальше. Падающие лошади и солдаты являются экспериментами в упражнении. Возьмите падающую серую лошадь в центре: Уччелло должен был нарисовать её копыта, которые ближе к нам, почти такими же большими, как и её голова, которая дальше, чтобы создать иллюзию дистанции. Некоторые фигуры определённо на высшем уровне, например, серая лошадь, белая лошадь на дальнем правом краю, идущая прочь, также хорошо выполнена, но некоторые вышли не так хорошо. Ноги красной лошади на этом углу выглядят как рульки, и посмотрите на павшего солдата в правом нижнем углу. Если бы этот человек встал, он был бы размером с ребёнка. Фермерские угодья на заднем плане, которые должны быть далеко вдали, но из-за схождения изгородей кажется, что они прямо за толпой солдат. Кролик на такой дистанции выглядел бы как белая песчинка, если же перенести его на перёд картины как есть, то он будет размером с лошадь. Не смотря на эти недостатки, художники вроде Уччелло действительно достигли больших успехов в живописи.Говорят, что Уччелло почти буквально сошёл с ума, пытаясь освоить три измерения на холсте.
14. Антонио Поло, Подвиги Геракла, 1475 год. Геракл борется на этих двух небольших панелях, показывая человеческое тело под необычными углами. Он поднимает дубину, чтобы сразиться с гидрой, и поднимает Антея с земли, лишая его сил земли - его матери. Позы — самые дикие, чтобы показать, как каждая мышца скручивается и напрягается. Пока Челло работал над перспективой, Пауло изучал анатомию. В средневековье вскрытие кадавров было преступлением. Вскрытие считалось осквернением человеческого тела, храма Божьего. Но Пауло Валер был готов продать душу дьяволу ради художественных знаний. Он получал запретные знания.
15. Сандро Ботичелли - «Семь Добродетелей» 1470 год (Стойкость, Умеренность, Благоразумие, Справедливость, Вера, Надежда, Милосердие). Первая картина Ботичелли — самая левая: «Стойкость». Примерно в это время с картин исчезают мадонны и их месте появляется Венеры. Началась эпоха, когда Венера, классическая богиня любви, становится таким же важным символом, как и Дева Мария. Сюжеты Возрождения — гармоничное сочетание христианских и классических мадонн и богинь, святых и современных флорентийцев. Это было время оптимистичного поколения, которое создало величайшие произведения искусства западной цивилизации. Город Флоренция около 1480 года был полон бурной деятельности. В воздухе витал дух оптимизма, возглавляемый процветающими торговцами и банкирами и сильным средним классом ремеслеников. Государственное устройство было довольно демократичным, и флорентийцы видели себя гражданами могучей республики, подобной древнему Риму. Их гражданская гордость проявлялась в общественных памятниках и произведениях искусства, которые они создавали. Человек покидал защиту церкви, чтобы стоять на своих двух ногах. Лоренцо де Медичи, глава могущественной банковской семьи Медичи, воплощал этот новый гуманистический дух. Сильный, решительный, красивый, поэтичный, атлетичный, чувствительный, харизматичный, умный, смелый, чистый и благоговейный — Лоренцо был истинным человеком Возрождения. Он заслужил прозвище, под которым его запомнит история — Великолепный. Он собирал лучших и самых умных флорентийцев для вечеров с вином и обсуждениями великих идей. Их мысли, письма, картины и вкус в одежде задавали тренды по всей Европе. Одним из этого круга был художник Сандро Боттичелли, другим — подросток по имени Микеланджело Буонарроти. В те пьянящие времена казалось, что для Лоренцо и его круга художников, мыслителей и бонвиванов возможно всё. Они чувствовали, что красота мира вокруг них — это отражение Бога, который его создал. Микеланджело, который стал скульптором, художником и архитектором, также был поэтом, и он подытожил их убеждения. "Мои глаза любят красивое, и моя душа кричит о спасении, но ни одно не взлетит на небеса, если не увидит красоты здесь, на Земле". Чистая красота — путь к духовному просветлению.
16. А вот и расцвет Возрождения. Зал Сандро Ботичелли! Аллегория весны или "Примавера", около 1478 года. Весна в цитрусовом саду, веют весенние ветры, изображённые в виде синего юноши, заставляющий женщину справа расцвести цветами из губ, поскольку она превращается во Флору или весну. Она проходит мимо, рассыпая цветы из своего платья. Слева Меркурий и три грации танцуют деликатный танец вокруг майского столба. Грации могут символизировать три формы любви: любовь к красоте, любовь к людям и сексуальная любовь, представленные поднятыми и переплетёнными пальцами. В центре стоит Венера, греческая богиня любви, над ней летает слепой Купидон, счастливо выпускающий свои стрелы любви, не беспокоясь о том, кого они поразят. Это Возрождение в его первом цветении, весна невинности. Мадонна ушла, Венера на сцене, Адам и Ева скрывают свою наготу — это возврат к дохристианскому языческому миру классической Греции, где вещи плоти не греховны. Но это определённо не оргия, только свежая невинность и игривость. Боттичелли подчёркивает прекрасную красоту над жёстким реализмом. Линии тел, особенно у Граций в их прозрачных ночных сорочках, имеют приятные лёгкие изгибы. Лица, хотя и идеализированы, обладают реальными человеческими чертами. Венера, как богиня земной любви, создана по образу христианской Марии, святой божественной любви. В "Примавере" Венера даже окружена своего рода ореолом из листьев, она носит ту же нежную выражение лица, что и на церковных алтарях, и присутствует над сценой чистой любви. Но "Примавера" была светской, не написаной для церкви, она украшала медитативную виллу удовольствий. Вскоре к ней присоединилась ещё более сенсационная картина Боттичелли, на которой Венера полностью сбросила одежды как триумф земной любви.
17. Самая известная работа Боттичелли и однин из главных шедевров западного искусства — "Рождение Венеры". Картина написана около 1485 года. Эта работа была революционной — это была первая крупномасштабная картина обнажённой женщины за тысячу лет. Она, казалось, подытоживала растущую светскую культуру Возрождения Флоренции. Согласно легенде, Венера, богиня любви и красоты, родилась из пены волны, и Боттичелли изображает её как хрупкого новорожденного, ещё только наполовину проснувшегося, обдуваемого богом ветра слева. Венера плывёт к берегу на раковине моллюска, там ждёт её служанка, чтобы одеть её в богатое одеяние, достойное богини. Боттичелли делает все возможное, чтобы радовать глаз. Его пастельные цвета делают сам мир свежим и вновь рождённым. Он был обучен ювелирному делу, поэтому смешивал настоящее золото с красками. Это добавляет особый блеск деталям. Бог ветра запускает всю сцену в движение, все колышется, как под воздействием ветра: волосы Венеры, волны на воде, взвивающиеся одежды и зубчатый берег. Кажется, даже волосы Венеры эхом повторяют изгибы её тела. В центре всей этой волнующейся сцены стоит все ещё прозрачная фигура Венеры, будто выгравированная на стекле. Боттичелли написал это после поездки в Рим, где его вдохновили древние статуи, которые он видел там. Он дал Венере то же тело в форме буквы S и скромно расположенные руки, как у классических Венер. Но как бы реалистичной ни казалась Венера на первый взгляд, на самом деле Боттичелли изменял реализму, чтобы усилить красоту. Шея Венеры слишком длинная, и она стоит неустойчиво. Служанка Венеры парит над землёй. И что вообще происходит с ногами ветра и его жены? С "Рождением Венеры" Боттичелли создавал более эфемерную красоту. Это идеально освещённый мир, где никто не отбрасывает тени. Тела изогнуты, лица идеализированы, а жесты излучают изящество. Обнажённость Венеры не столь эротична, сколько невинна. Боттичелли считал, что физическая красота — это способ понять Бога. Красота Венеры может возбуждать и возвышать душу, вызывая духовную тоску по небесным вещам. Взгляните ещё раз в глаза Венеры. Она задумчива, но о чем? Вокруг неё цветы медленно падают, зависшие, как музыкальные ноты, срезанные на пике их краткой жизни. Выражение лица имеет оттенок меланхолии, как будто она знает, как быстро увядает красота и как недолговечна невинность.
18. Это "Ла Калонья" Боттичелли, или "Клевета Апеллеса", около 1490 года. Она показывает хаотичную сцену людей в мантиях, толкающихся, тычущих и таскающих друг друга за волосы. Все это происходит на фоне классических арок и статуй. Весна Возрождения Флоренции должна была закончиться. Лоренцо умер молодым, экономика зашаталась, а в город въехал харизматичный монах по имени Савонарола, проповедующий средневековые идеи о греховности и проклятиях для тех, кто принял языческий дух Возрождения. "Вниз, вниз," — громко кричал он, "прочь со всем золотом и украшениями, тело — это пища для червей". Савонарола устраивал огромные костры перед Палаццо Веккьо, где люди бросали свою изысканную одежду, ювелирные изделия, языческие книги и даже картины. Эта картина, "Клевета", символизирует конец флорентийского Возрождения. Оформление выполнено в классическом стиле Возрождения, но смотрите, что происходит под этими величественными арками: это не гордые люди Возрождения, а разношёрстная, средневековая толпа, суд лицедеев в заброшенном зале правосудия. Обвинения летят, все осуждены. Голый человек умоляет о пощаде, но чёрная фигура в капюшоне, символизирующая его казнь, отворачивается. Фигура голой Истины, которая похожа на Венеру, смотрит в небо, как будто чувствует, что Возрождение ускользает. Она спрашивает: "Боже, почему ты позволил этому случиться с нами?". Классические статуи в своих нишах смотрят в недоумении. Боттичелли сам попал под влияние Савонаролы, сжёг некоторые из своих картин и изменил свой стиль. Его последние картины были темнее, более мрачные и пессимистичные относительно человечества. В конечном итоге, после угроз даже Папе римскому (Родриго Борджа), Савонарола переборщил. Его арестовали, обвинили в ереси и сожгли на том же месте где он сжигал произведения искусства.
19. Это золотое свечение Ботичелли просто неповторимо.
20.
21. Со смертью Савонаролы и изгнанием Медичи, Возрождение вступило в новую фазу. Движение, зародившееся во Флоренции, теперь распространялось по всей Италии. Человечество вновь открывали для себя древний мир, раскапывая двухтысячелетние римские памятники и наслаждаясь артефактами, которые они находили. Это Зал Трибуна, Венера Медичи, I век до н.э., и другие статуи. Если Возрождение было основой современного мира, то основой Возрождения была классическая скульптура. Скульпторы, художники и поэты искали вдохновение в древнегреческих и римских работах, подобных этим. В этом зале они демонстрируют древнее мастерство изображения человеческой анатомии, вершину гармонии, трехмерности и идеализированной красоты. Эти произведения относятся к периоду после золотого века Греции полного насилия и эмоций. Борцы слева от Венеры — это изучение анатомии и перекрученных конечностей, похоже на картины Поли Вала, созданные тысячу лет спустя. Справа от Венеры драма точильщика ножей проистекает из действия за кулисами — он точит нож, чтобы живьём содрать кожу с человека. Эти статуи — одни из лучших сохранившихся образцов древности. Помещение впечатляющее само по себе: восхитительный восьмигранный дизайн, мраморный поло и ослепительным купол. Эта замечательная комната Трибуна была выставочным залом или кабинетом чудес, когда это здание ещё функционировало как офисы Медичи. Кстати, "офисы" по-итальянски — "уффици". Комната наполнена семейными портретами. Это инсталяция символически связывает семью Медичи с четырьмя основными элементами: воздух представлен флюгером над головой в центре купольного потолка, вода — это перламутр в инкрустации, огонь — красные стены и земля — каменный пол в инкрустации.
22. Сами залы этой галереи это произведения искусства.
23. Джованне Беллини «Скорбь о Христе» 1485 г. Единственная чёрно-белая работа, нужно признать что апостолы выглядят странно. По видимому, это эскиз незавершённой картины.
24. Бокаччо Бокаччино «Цыганка» 1504 г.
25. Произошла следующая цепочка событий: древние статуи вдохновили средневековых флорентийцев, они в свою очередь создали Возрождение, которое, в свою очередь, вдохновило остальную Европу.
26. Зал скульптур и вид на реку Арно. Сто лет назад эти статуи были так же популярны, как работы Боттичелли сегодня. Некоторые из низ это редкие двухтысячелетние римские копий а другие, ещё более редкие двух с половиной тысячелетних греческие оригиналы. Эта статуя называется Дорифор, или Носитель копья. Это римская копия, сделанная по известному греческому оригиналу великого скульптора золотого века Поликлита. Пропорции Дорифора считаются абсолютно совершенными, его поза называется контрапосто — весь вес на одной ноге, в то время как другая слегка поднята. Эта поза вдохновила бесчисленное количество последующих работ.
27. А тут хорошо видна U-образная форма галереи.
28. Коллекция была начата семьёй Медичи, которая любила все классическое. Они выставляли свою коллекцию в саду своего дома, месте, известном сегодня как дворец Медичи-Риккарди. Эти древние статуи вдохновили великих флорентийских художников, таких как Боттичелли, Донателло, Леонардо, Микеланджело — людей, создавших Возрождение, таким, как мы его знаем.
29. Это, возможно, лучший вид на реку Арно и мост Понте Веккьо во Флоренции. Вы также увидите красную черепичную крышу коридора Вазари, так называемого секретного прохода, тянущегося на километр от Палаццо Веккьо и Уффици через Понте Веккьо и до Палаццо Питти на другой стороне реки. Это была частная прогулочная дорожка, украшенная великолепными произведениями искусства, по которой семья Медичи перемещалась из дома на работу. Наслаждаясь видом, помните, что именно такое удовольствие художники Возрождения хотели, чтобы вы получали от их картин. Для них полотно было окном, через которое вы смотрели, чтобы увидеть широкий мир. Их картины воссоздавали натуральную перспективу: дальние объекты, такие как мосты, были тусклее и выше на холсте, ближние объекты — яснее и ниже.
30. Сократ.
31. Вторая половина Уфиццы содержит произведения троих величайших художников Возрождения, все они сформировались именно здесь, во Флоренции. Первый это Леонардо да Винчи, который сочетал художественные навыки и ум учёного, создавая вечную красоту. Вторым был Микеланджело Буонарроти, который взял флорентийский стиль и популяризировал его по всей Италии, а завершает эту триаду гениев Рафаэль, который сочетал техники Леонардо и Микеланджело, доведя Высокое Возрождение до его вершины.
32. Леонардо да Винчи: "Благовещение", около 1475 года. Эта комната содержит редкие работы из периода, когда Леонардо был молодым человеком, жившим и работавшим здесь, во Флоренции. Он был частью просвещённого круга Медичи, впитывал атмосферу Возрождения, изучая искусство и науку. Это были годы, когда он разработал стиль, который привёл его к более известным работам, таким как "Мона Лиза" и "Тайная вечеря". "Благовещение" - была первая крупная работа Леонардо, когда ему было всего двадцать лет, но она уже показывает элементы его фирменного стиля. В "Благовещении" ангел Гавриил подходит к Марии и теперь стоит на одном колене, как посол, отдавая ей честь. Смотрите, как расслабленно свисает его левая рука с колена. Мария, которая читала, смотрит вверх с удивлением и любопытством. Леонардо создаёт красиво оформленную сцену и размещает своих персонажей на ней. Посмотрите на кирпичи в правой стене: если продолжить линии от них, все они сойдутся в центре картины. То же касается голубой горы, края мраморного стола, за которым сидит Мария, и отверстия в стене позади них. Подсознательно эта техника создаёт ощущение баланса, порядка и простора. Вспомните "Благовещение" Симоне Мартини и оцените, насколько более естественным, расслабленным и реалистичным является вариант этой же сцены Леонардо. Он взял чудесное событие — появление ангела из ниоткуда — и представил его очень человечным способом. Ничего не выглядит принудительным или стерильным. Леонардо бесшовно сочетает реалистичные фигуры, природное окружение и математическое совершенство, как архитектор Возрождения. Он тщательно компоновал сцену в геометрический узор, отражающий порядок, наблюдаемый в природе.
33. Леонардо да Винчи: "Поклонение волхвов", 1481 год. Сцена "Поклонения" сложная, на ней много чего происходит. Сами волхвы, абсолютно поражены Марией и Христом. Кажется, они боятся младенца, снуют вокруг. Затем есть фон с толпами, сражающимися всадниками и руинами. Эта работа так же беспокойна, как "Благовещение" спокойно. Она точно даёт представление о диапазоне Леонардо. Леонардо был пионером новой эры живописи, показывая не только внешние черты, но и внутреннюю личность. Эта ранняя работа показывает, как Леонардо разрабатывал свой фирменный стиль. Хотя работа кажется неспокойной, она геометрически укомпонована: в центре находится фирменная пирамида Леонардо с головой Марии на вершине, нижние углы образованы двумя стоящими на коленях фигурами у её ног. Эту пирамиду окружает полукруг, образованный холмом и окружающей толпой. Вижу ещё одну специальность Леонардо: младенец Иисус игриво взаимодействует с одним из волхвов. Это то, что Леонардо ввёл, и позже его копировали другие художники. На заднем плане стандартный фантазийный пейзаж Леонардо с руинами, загадочными фигурами и далёким горизонтом. И есть ещё одна черта, к сожалению тоже типичная для Леонардо: картина незавершённа. На ней только грунтовка и контуры. Леонардо так и не добавил основные цвета. Это объясняется тем, что Леонардо часто пробовал новые, ещё не проверенные техники, которые иногда не сработывали. Это "Поклонение" было выполнено на масляной краске, а не на более распространённой основе из яичного желтка, называемой темпера. Леонардо работал тщательно, добавляя слой за слоем краски, чтобы добиться тонких выражений. Его больше интересовали собственные творческие задачи, чем угождение заказчику. Если появлялось что-то более интересное, он мог переключиться на новый проект, который привлёк его внимание, оставив старую работу незавершённой, как эту. Это делает это "Поклонение", даже незавершённое, таким редким сокровищем с вечной красотой, которая все ещё излучает. Это взгляд на творческий гений Леонардо в действии. А кто тот парень справа на картине, тот, который смотрит в сторону от Мадонны, это не кто иной, как сам Леонардо. Ему было почти тридцать, и это была его последняя работа перед отъездом из Флоренции.
34. Одним из величайших вкладов Леонардо в искусство было создание реалистичных людей с проницательным многозначительным взглядом. Это можно увидеть в картине — "Крещение Христа". Это не работа Леонардо, а Андреа дель Верроккьо. Верроккьо был художником, у которого Леонардо учился, и когда Верроккьо рисовал эту сцену крещения, он позволил своему ученику нарисовать маленькую часть — коленопреклоненного ангела, самого крайнего слева. У него красивые кудрявые волосы, розовые щеки и взгляд херувима. Да, когда Леонардо рисовал это, ему было всего четырнадцать лет. Легенда гласит, что когда его учитель Верроккьо увидел, что какой-то ребёнок нарисовал ангела лучше, чем он когда-либо мог, он решил что пора на пенсию. Как учёный, архитектор, инженер, музыкант и художник, Леонардо революционизировал наше представление об искусстве. Он был воплощением высшей похвалы, которую художник его времени мог получить — истинный человек Возрождения.
35. Микеланджело Буонарроти, "Святая семья", около 1506 года. Эта "Святая семья" — единственная завершённая мольбертная картина Микеланджело. Эта картина показывает как Микеланджело переходил от известного скульптора — он только что закончил Давида — к начинающему художнику. Флорентийских художников называли "скульпторами с кистями", и на этой картине видно почему: вместо картины это больше похоже на три группы статуй с нарисованной одеждой. Главные персонажи — Святая семья: Мария, Иосиф и младенец Иисус, а на заднем плане две группы обнажённых фигур, похожих на классические статуи. Фон представляет старый языческий мир, в то время как Иисус на переднем плане — новую эпоху христианства. Фигура молодого Иоанна Крестителя справа является связующим звеном между этими двумя мирами. Это Мария - крестьянска с простым лицом и загорелыми руками. Микеланджело изображает её под очень невыгодным углом. Сам Микеланджело был некрасив, и он был одним из первых художников, запечатливших честную красоту обычных людей. Микеланджело фактически был как приёмный сын семьи Медичи, но многие из его величайших работ были выполнены в Риме как часть реноваций Рима устроенных Папой. В его картине мы видим некоторые приёмы, которые он использовал в Сикстинской капелле и которые впоследствии революционизировали живопись. Монументальные фигуры с волнистыми мускулами, драматический угол поз, и яркие, сталкивающиеся цвета. Цвета Микеланджело особенно заметны, поскольку как эта работа, так и Сикстинская капелла недавно были очищены. Эти техники добавили элемент драматического напряжения, которого не хватало в более изящной работе Леонардо и Боттичелли.
36. Рафаэлло Санти, "Мадонна с зябликом", 1506 год. Рафаель учился у Леонардо и Микеланджело. Картина показывает Марию в красном и синем, с двумя голыми малышами у её ног. Рафаэль переносит Марию и младенца Иисуса из небес в реальный мир деревьев, воды и неба. Он даёт младенцу Иисусу и Иоанну Крестителю птицу для игры, добавляя в эту композицию что-то очень человечное. Это нежная сцена, написанная тёплыми цветами и туманным фоном, который сочетается с золотистой кожей детей. Рафаэль совершенствовал своё мастерство во Флоренции, следуя изящному стилю Леонардо. В типичной манере Леонардо эту группу Марии, Иоанна Крестителя и Иисуса расположили в форме пирамиды с головой Марии на вершине. Две половины картины идеально сбалансированы. Прочертите линию посередине через нос Марии и прямо вниз через её колено. Иоанн Креститель слева уравновешен Иисусом справа, даже деревья на фоне уравновешивают друг друга слева и справа. Эти вещи не сразу заметны, но они помогают создать подсознательные ощущения баланса и порядка, которые усиливают атмосферу материнской безопасности в этой домашней сцене. Это чистый Ренессанс.
37. Рафаэль "Портреты Аньоло Дони и Маддалена Строцци", 1506 год. На самом деле это те самые люди, для которых Микеланджело написал свою "Святую семью" — знаменитый своей бережливостью Аньоло Дони и его баснословно богатая новая жена Маддалена Строцци. Они носят богатую одежду и украшения, соответствующие богатому текстильному торговцу и его аристократичной жене. Рафаэль заимствовал технику Леонардо, слегка поворачивая своих субъектов под углом, что немного напоминает Мону Лизу. Да, и его модели небрежно опираются на свои локти, у Маддалены даже руки сложены как у Моны Лизы. Рафаэль также заимствовал у Микеланджело, придавая этой паре скульптурную твёрдость и более грубый реализм. Рафаэль стал самым востребованным художником своего времени. Даже сегодня Рафаэль считается как кульминацией, так и завершением Возрождения. Реализм, баланс и гуманизм, которые мы ассоциируем с Возрождением, все находят в работах Рафаэля. Он сочетал грацию Леонардо с мощью Микеланджело, и когда Рафаэль умер в 1520 году, Высокое Возрождение также закончилось.
38. А мне всё равно больше нравится грубый реализм Микеланджело.
39. Зал Ниобеи.
40. Тут есть и Фламанцы. Лютер.
41. И Кранах старший. Опять Ева фруктами соблазняет.
42. Очередная копия Полидора - «Лаокоон и его сыновья». Один из лучших примеров источника вдохновения Возрождения — драматичная древнегреческая статуя Лаокоона. Эта копия поставлена тут именно для того, чтобы мы видели чем вдохновлялись гении Ренесанса. Это драматичная сцена, показывающая Лаокоона и двух его сыновей, борющихся со змеями. Статуя жреца и его сыновей запечатлеет момент Троянской войны. Когда греки отправили Троянского коня, полного солдат, как уловку, чтобы попасть в город. Лаокоон, верховный жрец Трои, пытается предостеречь свой народ, но боги хотели победы греков, поэтому они отправили змей, чтобы убить его и его сыновей. Скульптор демонстрирует самый драматичный момент, когда Лаокоон борется за выживание, но осознает, что змеи слишком сильны для них. Посмотрите на его лицо, его мучительное выражение ясно говорит: "Я и мой народ обречены". Эта замечательная статуя сыграла роль в эволюции Микеланджело как скульптора. Она была создана в древности и стала одной из самых известных статуй античности, но на протяжении веков была утеряна. Затем она была обнаружена в 1506 году, и одним из первых, кто её увидел, был Микеланджело. Она вдохновила его на усиление движения и эмоций в своих скульптурах. В более широком смысле эта статуя напоминает о том, что Возрождение было возрождением древнего мира, его оптимизмом, энтузиазмом к знаниям и искусству, которое было реалистичным и красивым.
43. Этим завершается четвёртый этаж Уфиццы. Мы уже пошли к выходу, но остановились посмотреть выставленные на продажу альбомы галереи и увидели множество картин, которых на 4том этаже не было. Оказалось что есть ещё огромная коллекция Уфиццы на третьем этаже. Мы с ребятами её полностью пропустили в первый визит в 2011 году и чуть не пропустил в этот. Рик Стивз в своём гиде завершает Рафаэлем, и я думал что всё. Тут я также вспомнил, что мне много лет назад Егор говорил, что мы пропустили целый этаж, и я это благополучно забыл. В итоге мы вернулись и пошли досматривать галерею. Проблема заключалась в том, что у я не заложил на это времени и у нас уже были подходили временные билеты в Капеллу Медичи. Пришлось это делать галопом по Европам.
44. «Портрет Лукреции Панчатики», Аньоло Бронзино 1540 г. Аньоло Бронзино был придворным художником Медичи. Его талант в полной мере раскрылся в портретном жанре. Портрет был заказан перед отъездом супружеской четы во Францию, где Бартоломео примкнёт к гугенотам.
45. Эль Греко «Святые Иоанн Богослов и Франциск», 1600 год.
46. Тициан «Портрет епископа Болонского Людовико Бекаделли», 1552 год. Один из лучших портретов Тициана, в нём ему удалось запечатлеть спокойствие и авторитет епископа.
47.
48. Тициан «Венера Урбино», 1534 год. Это одно из самых знаменитых произведений Тициана, изображающее эмблематическую фигуру молодой невесты, которая готовится одеться для участия в праздновании Венецианского ритуала, известного как "il toccamano". Так называется светская церемония, проводившаяся на дому у невесты, во время которой молодая женщина, чью руку просили в браке, касалась руки жениха, выражая тем своё согласие. Тициан черпает вдохновение для своей соблазнительной Венеры в древнем изображении "Венеры Пудики". Девушка, лежащая голой на кровати с мятой простыней, смотрит на зрителя с флиртом и намёком, прикрывая левой рукой лобок и держа в правой руке букет роз, эмблему Венеры и удовольствия и постоянства в любви. У подножия кровати спящая собака, является отсылкой к верности в браке. На фоне изображена элегантная комната, характерная для богатого дома Венеции XVI века. Есть две служанки, одна из которых ищет что-то в расписном сундуке, из которого она только что достала пышное свадебное платье с золотой вышивкой, видимое на плече другой служанки, стоящей справа. На подоконнике стоит горшок с миртом, традиционным растением, связанным с Венерой, также ассоциируемая с постоянством в любви.
49. Опять этот Зевс-лебедь.
50. Агноло Бронзино «Портрет Элеаноры Толедской с сыном Джованни» 1545г. Жена Козимо I Медичи, и его соправительница.
51.
52. Артемисия Гентилески «Юдифь и Голиф» самая известная художница 17го века. Пережила изнасилование в молодости и потому любила изображать сцены женской мести.
53. Караваджио «Голова Медузы», 1598 год. Наверное самая сильная картина Караваджио и одна из самых необычных картин в коллекции Уффици. Такая же неоднозначная, как и личность автора — Караваджо. По словам современников он был крайне несдержан и обладал грубыми манерами, что и нашло отражение в сюжете «Головы Медузы». Отрубленную, истекающую кровью голову Горгоны художник поместил на круг щита. Приводящая в содрогание медуза, один взгляд на которую превращал человека в камень, сейчас и сама объята предсмертным ужасом. В этом вся суть Караваджо: он выбирал сюжеты, изображающие эмоции в момент наивысшего накала.
54. Караваджио «Вакх», 1596 год. С творчеством Караваджо в искусстве Италии открывается новый стиль «барокко». Художник родился на окраине Милана и в 1592 году приехал в Рим, где на тот момент это стилевое направление уже закрепилось в архитектуре. Произведения молодого Караваджо поражали выбором тем. В ранний период он пишет ряд жанровых портретов молодых людей, изображая их в различных эмоциональных состояниях. «Вакха» можно назвать заключительной работой в этом ряду. В картине присутствует доля эпатажа: поза юноши эротична, одной рукой он готовится развязать пояс, поддерживающий его одежды. В левой руке молодой Вакх держит бокал с вином, предлагая его зрителю. Его поза и жест изящны, но если присмотреться внимательнее, то можно увидеть отталкивающе грязные ногти юноши.
55. Герард ван Хонтхорст «Поклонение младенцу», 1620 г. Или Иисус включил ближний. Сцена поражает реалистичностью света который передаёт автор.
56. Рубенс «Юдифь»
57.
58. Рембрандт «Портрет старого равина» 1665 год.
59.
60. Юстус Сустекманс «Портрет Галилео Галилея», 1635 г. Во время написания портрета Галилео было 70 лет и он жил в изгнании в окрестностях Флоренции. Галилео смотрит вне холста на небо, что было революционно для портретов того времени.
61. Вылетели из Уфиццы и рванули в Капеллу Медичи. Всё расписано по минутам, ковид… Запыхавшись настаждаемся Капеллой Медичи.
62. Это мозаика из драгоценных камней...
63.
64.
65. Микеланджело «Усыпальница Лорензо, герцога Урбино», 1531 год. Именно для этого Медичи и Макиавелли написал «Князя». Верхняя статуя это сам задумчивый князь. Аллегории времени по обе стороны от него это Рассвет и Закат.
66. Микеланджело «Усыпальница Джулиано, герцога Немур», 1532 год. Это брат Папы Льва X, изображён Микеланджелло как генерал, держащий командных жезл. Окружают его статуи (Дня справа и Ночи слева), которые также являются аллегорией времени.
67. «Усыпальница Лорензо Великолепного и его брата Джулианно», 1554 год. Эта усыпальница укампанована тремя статуями, по середине это «Маддона с младенцем Микеланджело» 1521 года. Две другие это статуи Святого Космы и Святого Дамиана, менее известных скульпторов.
68. Наш следующий пункт это Палаццо Векио. Или старый дворец — сердце Флорентийской республики. Именно из этого дворца управляли Флоренцией. Зал Пятисот (Salone dei Cinquecento). Зал Пятисот был построен в 1494 году по инициативе Савонаролы, который хотел, чтобы это помещение стало местом заседаний Великого совета Флоренции, состоящего из 500 членов. Фрески, выполненные Гиоргио Вазари и его учениками, посвящены они военным победам Козимо I де' Медичи, герцога Тосканы.
69. "Битва при Марциано": Это центральная фреска зала, доминирующая в его интерьере. Она изображает победу флорентийских войск над силами Сиены в 1554 году. Эта картина символизирует триумф Козимо I и его власти.
70. Антей хватает Геракла за причинные места. Запрещённых приём.
71.
72.
73.
74. Ещё рождение Венеры на втором этаже палаццо. Тут сцена понагруженней чем у Боттичелли.
75.
76. Оригинальный купидон Донателло исходно стоявший в фонтане внутреннего двора палаццо.
77.
78. Маска Данте Алигьери.
79.
80. Портрет Николы Макиавелли.
81. Традиция.
82. Внутренний двор палаццо, с копией того самого купидона.
83. Это одно из первых мест публичной демонстрации искусства в Европе: статуя и изысканно украшенные стены и колонны. Такая роскошь была большим нововведением пятьсот лет назад.
84. Лоджия Ланци. «Персей с головой Медузы» Бенвенуто Челлини.
85. Перед палаццо статуя «Геракл и Какус» Баччо Бандинелли, 1530 год.
86. А вот и сам палаццо Векио.
87. «Похищение Сабинянок» показывает дрожащего, плачущего мужа и римского воина уносящего его жену. Скульптор Джамболонья доказал своё мастерство, высекая три переплетённых тела из одного куска мрамора. С его захватывающим ритмом мышц он считается маньеристским, из неспокойного периода, следующего за статным и уверенным Ренессансом. Он был выполнен около 1564 года. Оцените вихревую композицию. Рельефная панель ниже показывает широкий обзор ужасной сцены.
88. Просторная Пьяцца дей Синьория, это политический центр Флоренции. Палаццо Веккьо доминирует эту брусчатую площадь она до сих пор сохраняет эхо бурного прошлого Флоренции — казни, бунты и великие празднества. Сегодня Пьяцца — мир туристов с голубями, открытками, конными экипажами и уставшими посетителями. Палаццо Веккьо, или Старый дворец, был крепостью, где в начале четырнадцатого века заседал городской совет, но в конечном итоге он стал личным дворцом Медичи. Внушительное здание было спроектировано для хранения богатств города и защиты от множественных бунтов, связанных с местной политикой. Окна расположены так, чтобы брошенный человеком камень не мог достать до них, башня служила удобным постом наблюдения, и правосудие строго приводилось в жизнь прямо на площади. Давида Микеланджело когда-то стоял там, где сегодня стоит его реплика, охраняя вход. Оригинальный Давид был повреждён во время бунта 1527 года, когда из окна дворца выбросили скамейку, которая отбила его левую руку. В 1873 году Давида, наконец, переместили в помещение для его собственной безопасности. Кто-то ещё вкрутил эту уродливую современную инсталляцию посреди площади. Как обычно отвратительно.
89.
90. Большой фонтан Нептуна Бартоломео Амманати. Огромная статуя, доминирующая фонтан, это бог морей, возвышающийся над своей свитой нимф, титанов и дельфинов. Фигуры вырезаны из огромного блока каррарского мрамора. Флорентийцы прозвали его "Ил Бьянконе" — Великий белый человек. Фонтан работы Бартоломео Амманати впечатляет. Большинство флорентийцев, включая Микеланджело, считали его безсмысленной тратой мрамора. Слева на коне — Козимо I, не Козимо Старший, основатель династии, а один из пост-ренессансных Медичи. Если у Козимо и Нептуна одинаковое выражение лица, то потому, что Амманати использовал лицо своего покровителя Козимо для модели статуи.
91. Усталые, но довольные ужинаем в маленьком кафе рядом с Палаццо Веккьо. Я взял стейк аля Россини.
92. Ночная прогулка по великолепной Флоренции.
93. Триумфальная арка отмечает место, где в римские времена был форум или центр города. Всё, что осталось от римской Флоренции, — это сетка планировки улиц и римская колонна. Триумфальная арка обрамляет площадь Республики; арка и площадь оба датируются примерно 1870 годом, построены в честь объединения Италии, когда на короткое время Флоренция стала столицей новой страны.
94. Ночной Santa-Maria del Fiore, кафедральный собор города, с его характерным красным куполом. Дуомо является центром Флоренции и ориентиром. Это эпицентр той культурной вспышки, которую мы называем Флорентийским Ренессансом. Я восхищаюсь этой невероятной церковью. Фасад Дуомо из состоит из зелёного, белого и розового мрамора. Её длина около 150 метров, она входит в десятку самых больших церквей мира. И завершает все это характерный красно-белый ребристый купол, созданный Филиппо Брунеллески. Справа от церкви находится её красочная колокольня, или кампанила, а октагональное здание напротив Дуомо называется Баптистерием. Дуомо, средневековая церковь с ренессансным куполом, является идеальным местом для разговора о том, как средневековая Флоренция стала родиной Ренессанса. К 1300 году, когда большая часть Европы все ещё была погружена в бедность и невежество, Флоренция стала мощным центром банковского дела, торговли и производства тканей. Они были богаты, и это богатство удобряло культурный грунт. Флоренция практиковала искусство цивилизованной жизни, пока остальная часть Европы все ещё носила наследственные леотарды. Тем временем Флорентийская церковь того времени уже не соответствовала их обществу на подъёме. В средние века Баптистерий служил основным местом поклонения, а Дуомо был лишь маленькой скромной церковью рядом. Затем, в 1296 году, был заложен первый камень огромной церкви — сегодняшнего Дуомо. Она должна была стать самой большой церковью в христианском мире и это почти удалось. Архитектор Арнольфо ди Камбио построил колоссальное кирпичное сооружение и затем облицевали его разноцветным мрамором.
95. Бесконечные кафе Флоренции, можно попить Кофе прямо рядом с тысячелетним баптистерием.
96. Красочный фасад Дуомо трехэтажный, с заострёнными готическими арками, усеянными статуями и сияющими золотыми мозаиками. В центре фасада, над центральной дверью и под круглым окном, находится статуя в нише, изображающая Марию с младенцем Иисусом. Церковь официально названа в её честь — Санта Мария дел Фьоре, Святая Мария Цветов, но большинство людей просто называют её Дуомо — итальянское слово для кафедрального собора. Оно происходит от латинского слова "domus", как в "домициль" или "дом Бога". Фасад впечатляет, но он не древний. Видите ли, фасад, который проектировал Арнольфо ди Камбио, строился почти три столетия, с 1296 по 1587 год, но так и не был завершён. Только в XIX веке был добавлен нынешний неоготический фасад. К счастью, неоготический дизайн подходит, он похож на первоначальное видение, хотя фасад обычно высмеивают. Его поспешное завершение было приурочено к празднованию итальянского единства.
97. Вернулись на Пьяцца дей Синьория. Эта плита напротив фонтана Нептуна отмечает последнюю главу в истории Савонаролы. После смерти Лоренцо Великолепного в 1492 году семья Медичи была свергнута строгим монахом по имени Савонарола, который обличал коррумпированных тиранов и похотливых пап. Савонарола вернул Флоренции конституционную республику, но у него была и пуританская сторона. Савонарола организовывал огромные собрания, подсвеченные бурлящими кострами. Харизматичный оратор, он громил декаданс и светский гуманизм Ренессанса, в то время как дети пели гимны, а благочестивые бросали свои дорогие пустяки — парики, музыкальные инструменты, игральные карты, даже запрещённые книги и картины — в огонь. Но не все хотели вернуться в средневековое прошлое. Поощряемые папой и изгнанными Медичи, флорентийцы восстали и арестовали Савонаролу. В течение двух дней его пытали внутри Палаццо Веккьо, пытаясь убедить его принять их точку зрения. В конце концов, его привели на это самое место. Надпись на бронзовой плите начинается по-итальянски: «Qui», здесь. В двадцать третий день мая они привели Савонаролу и двух его монашеских братьев, или фрателли. Его публично разжаловали и на том же месте, где сторонники Савонаролы устраивали свои костры для сожжения ренессансных пустяков, и он сам был сожжён. Во многих отношениях это ознаменовало конец флорентийского Ренессанса. Плита отмечает год римскими цифрами: MCCCCXCVIII (1498 год). Ренессанс, родившийся во Флоренции около 1400 года, теперь начал мигрировать на юг, в Рим, и на север, в остальную часть Европы.
98. Ночной Нептун.
99. Один из бонусов джет-лага: встаёшь с рассветом и никого нет!
100. Кампаниле Санта-Мария дель Фиоре. Колокольня церкви, или кампаниле, высотой 82 метра, служила галереей скульптур для художников Ренессанса. Обратите внимание на четырёх пророков Донателло на стороне, обращённой наружу — это копии, оригиналы находятся в музее Дуомо. Хотя Джотто жил за два века до времени Микеланджело, он считается отцом ренессансной живописи. В своё время Джотто называли самым уродливым человеком, когда-либо ходившим по улицам Флоренции, но он оставил городу то, что многие в наше время называют самой красивой колокольней во всей Европе. Восхищаясь великолепной башней Джотто, вы можете оценить, насколько более просвещёнными были флорентийцы по сравнению с остальной Европой в 1300-х годах. В средневековье бедность и невежество делали жизнь, мерзкой, жестокой и короткой. Если когда-либо церковь была опиумом для народа, то это было именно в средневековье. Жизнь была лишь подготовкой к счастливому времени на небесах после покидания этого несчастного земного существования. Средневековое искусство было слугой церкви, его цель — украшение дома Бога. Живопись и скульптура часто были грубыми, достаточно реалистичными лишь для того, чтобы рассказывать библейские истории для набожных и неграмотных масс. Но в то время как остальная часть Европы была погружена в средневековье, во Флоренция процветала, и росла уверенность его жителей в жизни и в себе. Вместо того чтобы быть щепкой в реке судьбы, средний класс ремесленников, торговцев и банкиров чувствовал, что может контролировать свою судьбу. Они нашли много общего с древними греками и римлянами, которые ценили логику и разум выше суеверий и слепой веры. Затем в 1348 году пришла чума, Чёрная смерть, унеся почти половину населения города. Когда Флоренция восстановилась, инфраструктура осталась цела, и город был восстановлен лучше, чем когда-либо, под руководством главной семьи Флоренции — помешанной на искусстве семьи Медичи и с естественно ненасытным и творческим духом Лоренцо Великолепного. Неудивительно, что долгожданный Ренессанс, наконец, укоренился именно здесь.
101. Какое счастье вновь оказаться в этом городе. Я скучал.
102. Следующему этапом истории Дуомо был его купол. Этот купол Брунеллески стал символом Флоренции. Купол собора Флоренции, видимый со всех концов города, он вдохновил флорентийцев на великие дела. Сама церковь была начата в XIII веке, но оставалась незавершённой с большим отверстием в крыше. Средневековые люди не имели технологии, чтобы перекрыть его куполом потому как Римские техники были утеряны. Флорентийцы были уверенны в себе и знали, что когда-нибудь кто-то сможет справиться с этим вызовом. В четырнадцатом веке архитектор Филиппо Брунеллески был приглашён завершить работу. Брунеллески отправился в Рим, изучил древний купол Пантеона, провёл расчёты, а затем вернулся, чтобы завершить церковь в римском стиле с высоким самонесущим куполом, величественным, как у древних. Он использовал дизайн купола в куполе: сначала построил величественные белые скелетные ребра, которые мы можем видеть, затем заполнил их взаимозакрепощающими кирпичами выкладывавшимися ёлочным узором. Купол рос вверх, подобно иглу, поддерживая себя по мере строительства от основания. Когда они подошли к вершине, Брунеллески согнул ребра внутрь и закрепил. Его купол, построенный всего за четырнадцать лет, был самым большим за тысячу лет. Купол Брунеллески стал чудом того времени, моделью для многих последующих куполов, от Собора Святого Петра в Риме до Капитолия в Вашингтоне. Люди носили Бруналески на руках, заявляя, что даже древние не смогли бы сделать это. Микеланджело, приступая к строительству купола Собора Святого Петра, черпал вдохновение от Флорентийского купола. Он сказал: «Я сделаю его как сестру Флорентийского, больше, но не красивее». Купол Брунеллески также символизирует уверенность флорентийцев, которые вышли из средневековых корней, чтобы начать Ренессанс.
103. Искусство Ренессанса было возвращением к реализму и балансу греческих и римских статуй и зданий. Они строили классические купола и круглые арки вместо готических шпилей и заострённых арок. Хотя это был логический и научный век, Ренессанс не был антихристианским движением. Художники видели себя как продолжение творческих сил Бога. Для них лучший способ прославить Бога был не склонять голову в церкви, а признать таланты, данные им Богом, и использовать их. Статуя Давида Микеланджело изначально должна была стоять на вершине этого великолепного купола завершая этот шедевральный собор. Также впервые в Европе с римских времён мы находим богатых частных граждан, которые хотели искусство просто ради искусства. После тысячи лет ожидания тлеющие огни европейского классического наследия вспыхнули именно здесь, во Флоренции.
104. Ира прониклась духом Возрождения. Стоит в контрапосто.
105.
106. Некоторые называют эти работы на дверях баптистерия самыми первыми произведениями Ренессанса. Баптистерий Флоренции дорог душе города, традиционно здесь проходили праздники, парады начиналась и заканчивались здесь. Ренессанс начался именно в 1401 году, когда во Флоренции был организован конкурс на поиск лучших художников для создания этого комплекта дверей. У Флоренции был сильный гражданский дух, различные гильдии или деловые ассоциации с гордостью украшали свой город великолепным искусством. В конкурсе участвовали все великие, включая Брунеллески. Брунеллески проиграл конкурс на баптистерий, что освободило его для последующего проектирования купола. Ясным победителем стал 25-летний Лоренцо Гиберти, который приступил к литью бронзовых дверей для северного входа. Они неплохие, но фигуры довольно маленькие, и у сцен нет реального фона (их нет на фото). Восточные двери баптистерия направлены к собору и были поручены тому же Гиберти уже в 1425 году. На этот раз конкуренции не было: бронзовые панели этих дверей дали искусству совершенно новое измерение — глубину. Микеланджело сказал, что двери годятся быть "вратами рая", и они революционизировали восприятие мира людьми Ренессанса. Двери состоят из десяти прямоугольных панелей, каждая с библейской сценой. Фигуры на переднем плане стоят и двигаются как настоящие люди, рассказывая библейскую историю с человеческими деталями. Панель справа, изображающая Иосифа и Вениамина, показывает храм круглой формы. Удивительно, но этот просторный трёхмерный сценарий выполнен из бронзы толщиной всего 10-12см. Работа Гиберти вдохновила следующее поколение художников создавать трёхмерные картины на двумерной поверхности. Гиберти потратил 27 лет, с 1425 по 1452 год, работая над этими панелями. Это он, изображённый в центре рамы двери, во втором ряду панелей, он — голова слева с блестящей лысиной.
107. На панели с левой стороны, изображающей Иакова и Исава, сцена разворачивается под серией арок, которые кажутся уходящими вглубь, как и напольная плитка и перила, создавая трёхмерный фон для реалистичной сцены.
108. Врата дуомо.
109. Насладившись Дуомо идём на наш утренний сеанс в Академию, смотреть Давида.
110. А вот и она! Величайшая скульптура Ренессанса. Высота его четыре метра тридцать сантиметров, из сверкающего белого мрамора и он возвеличен Ренессансным куполом над его головой. Микеладжело закончил его в 1504 году. Когда вы смотрите в глаза Давида Микеланджело, вы смотрите в глаза человека Возрождения, это символ божественной победы над злом представляет новый век и совершенно новый взгляд Возрождения на мир. Это век Колумба и классицизма, Галилея и Гутенберга, Лютера и Леонардо, Флоренции и Возрождения. В 1501 году двадцатишестилетнему флорентийцу Микеланджело Буонарроти поручили создать крупномасштабную работу для собора Дуомо во Флоренции. Ему дали блок мрамора, который другие скульпторы отвергли как слишком высокий, мелкий и дефектный, чтобы быть ценным. Но Микеланджело взял молоток и долото, чтобы отсечь то, что стало сердцем Давида, и начал работу. Независимо от того, под каким углом смотреть на Давида, он впечатляет. Фигура Давида взята из библейской истории. Израильтяне, избранный народ Божий, окружены варварами-воинами под предводительством гиганта по имени Голиаф. Гигант вызывает израильтян отправить кого-то сражаться с ним. Все боятся, кроме одного молодого пастуха по имени Давид. Вооружённый только пращёй, которую он перекинул через плечо и стоит перед Голиафом. В этой скульптуре Микеланджело запечатлел Давида, оценивающего своего врага. Он стоит расслабленно, но начеку, опираясь на одну ногу в позе контрапосто. В его мощной правой руке находится камень, который он готов кинуть в гиганта. Его взгляд устремлён вперёд, он сосредоточен и уверен. Микеланджело зафиксировал точный момент, когда Давид говорит себе: «Я смогу справиться с этим чудовищем». Давид — символ оптимизма Возрождения. Он не варвар, он цивилизованный, разумный человек, который может справляться с проблемами и преодолевать их. Ему не нужны доспехи, только данное ему богом тело и праща. Посмотрите на его правую руку с выступающими венами и сильными, расслабленными пальцами. Многие жаловались, что рука слишком большая, но это символ - рука человека, обладающего силой Божьей. Никакой простой мальчик не мог бы победить гиганта, но Давид, одарённый силой от Бога, смог сделать это. Внимательно посмотрите на голову Давида, а затем сравните её с размером его тела. Пропорции немного нарушены. Изначально статую заказывали, чтобы она стояла на крыше Санта Мария дел Фиоре, но в течение трёх лет, пока шла работа, решили вместо этого разместить её у входа в Палаццо Веккьо. Если голова Давида кажется немного большой для его тела, это потому, что Микеланджело спроектировал её так, чтобы она казалась правильно пропорциональной, когда смотришь с уровня улицы на вершину собора. Когда Давид был завершён, колосс был поставлен стоя на телегу и перевезён по рельсам из мастерской Микеланджело по улицам до Палаццо Веккьо. Там Давид стоял под открытым небом в течение трёхсот пятидесяти лет. При правильном освещении можно увидеть следы выветривания на его плечах. Также обратите внимание на трещину в левой руке Давида, где она была отломана во время бунта в 1527 году. В 1873 году, чтобы сохранить шедевр, статую наконец заменили копией и перевезли сюда. Теперь Давид стоит под замечательным куполом в стиле Возрождения, специально разработанным для него.
111. Давид интересен со всех сторон. Спереди он изображает расслабленную уверенность. Обойдя статую сзади действительно можно оценить огромные размеры статуи. Взгляд вниз по спине Давида позволяет увидеть, как свисает его праща. Восхититесь идеальной анатомией его напряжённых мышц спинны. У правой ноги Давида, видно повреждения нанесённые в 1991 году, когда статую атаковал помешанный посетитель.
112. Бюст Микеланджело - Даниэль да Вольтерра, 1564 год. Этот бронзовый бюст, выполненный одним из учеников Микеланджело, показывает старого, сморщенного Микеланджело незадолго до его смерти в возрасте 89 лет. Микеланджело прожил долгую и продуктивную жизнь. Родившись в бедной, но благородной семье, он вырос в районе возле церкви Санта-Кроче (наш отель был по соседству с домом где он родился). Он проявил художественный талант в раннем возрасте, но его отец запретил ему становиться художником, так как в то время это считалось неблагородной профессией. В тринадцать лет Микеланджело был замечен никем иным, как правителем Флоренции - Лоренцо Великолепным, который распознал талант мальчика, и позволил ему развиваться сделав его членом своего двора. Внимательно посмотрите на статую, особенно на нос. В подростковом возрасте Микеланджело, который всегда будет известен как вспыльчивый и раздражительный, сломал нос в драке с соперничающим художником. Как видно из этого бюста, хотя Микеланджело и создавал великую красоту, сам он никогда не был классически красив. Микеланджело впервые заявил о себе, создав знаменитую скульптуру "Пьета" в Соборе Святого Петра в Риме, что убедило городских отцов Флоренции доверить ему монументальный проект создания Давида. На протяжении всей своей жизни Микеланджело чередовал работу во Флоренции и Риме. В Риме он нарисовал потолок Сикстинской капеллы и спроектировал купол собора Святого Петра. К сожалению нам не удалось увидеть все его работы во Флоренции, мы пропустили статую Победа в Палаццо Веккио и Флорентийскую Pieta в музее Santa Maria del Fiore. Когда Микеланджело умер в 1564 году, он был признан величайшим художником своего времени, называемым "Il Divino Michelangelo".
113. Это неф музея и тут можно увидеть сразу 3 статуи, которые Микеланджело делал для незавершённой могилы папы Юлия II (он же заказал Микеланджело потолок Сикстинской капеллы). Возможно он бросил их просто потому, что сам проект сошёл на нет, но, возможно, он намеренно оставил их незавершёнными, возможно, он был удовлетворён тем, что достиг того, чего хотел, потерял интерес и перешёл к новому проекту.
114. Узники, созданные примерно между 1516 и 1534 годами, кажутся борющимися, чтобы освободиться от камня. Микеланджело считал, что скульптор был инструментом Божьим, не создавая, а лишь раскрывая могучие и красивые фигуры, которые Бог поместил в мрамор. Задача Микеланджело была просто убрать лишнее, чтобы раскрыть их. Он должен был быть в гармонии с волей Божьей, и когда на него сходил дух, Микеланджело работал в исступлении, иногда днями не спал. "Узник с бородой", наиболее завершённая из четырёх, со всеми четырьмя конечностями, кустистым лицом и даже намёком на просвет между его рукой и телом. Кстати, названия этих статуй даны искусствоведами, а не Микеланджело. Узники дают нам представление о неспокойном процессе скульптуры Микеланджело, показывая неугомонную энергию одержимого. Можно увидеть шероховатую поверхность камня. Микеланджело должен был бороться с твёрдым мрамором, чтобы создать образ, который видел в своём воображении. Вы все ещё можете видеть канавки от долота и представить, как Микеланджело творил в облаке пыли.
115. "Пробуждающийся узник" кажется растягивающимся после долгого сна, все ещё запутанный в "постельных простынях" неотёсанного камня. Он наименее завершён из узников, больше блок, чем статуя. В отличие от большинства скульпторов, которые строили модель, а затем размечали свой блок мрамора, чтобы знать, где откалывать, Микеланджело всегда работал вручную, начиная спереди и продвигаясь назад. Эти фигуры выходили из камня, как сказал его коллега Вазари, "как будто всплывают из воды"
116. Незавершённая статуя, которая возможно была выполнена Микеланджело, но скорее всего её создали его ученики. Она выполнена в стиле мастера и захватывает момент, когда Иисуса, который был распят, снимают с креста его любимые. Они с трудом держат обмякшее тело Христа. В его стиле, фигура более эмоционально экспрессивна нежели чем реалистична. Посмотрите на массивную руку Христа, она почти такого же размера, как его изогнутые и сломанные ноги. Это делает статую тяжеловерхой, усиливая впечатление от мёртвого веса теперь безжизненного тела Христа, и фигура Иисуса непропорционально большая, если бы он встал, то был бы выше двух метров. Всё это подчёркивает мысль о том, что Христос, хоть и божественен, умер совершенно человеческой смертью.
117. Святой Матфей Микеланджело 1503 год. Он тоже незакончен, идеально иллюстрируя описание Вазари "всплывающей статуи".
118. Во времена Микеланджело флорентийцы эпохи Возрождения могли отождествить себя с Давидом: как и он, они считали себя благословенными Богом аутсайдерами, сражающимися с соперниками своих городов-государств. В более глубоком смысле они были цивилизованными людьми Возрождения, сражающимися с уродливым гигантом средневекового суеверия, пессимизма и угнетения. Сегодня Давид стоит как окончательный символ Возрождения, оптимизма, гуманизма и всего хорошего к чему стремиться человечество.
119. Отойдя на двадцать шагов вправо, глядя в его глаза, он кажется не так уверен, когда морщит лоб и размышляет о страшном гиганте. В этом гений Микильанджело, его скульптуры отражают множество чувств охватывающих его героев под разными углами.
120. Средневековый гобелен.
121. Гуляем по Via dei Calzaiuoli. Эта пешеходная улица была главной артерией Флоренции на протяжении пары тысячелетий. Она началась как часть древней решетчатой планировки римской колонии, которая стала Флоренцией. Во времена Ренессанса она соединяла религиозный центр — Дуомо — с политическим центром — Палаццо Векио. Она усеяна модными бутиками, демонстрирующими последние новинки моды. Флоренция известна своим чувством стиля с тех пор, как Медичи сделали полосатые колготки модными в Европе. На фото церковь Орсанмикеле. Экстерьер церкви Орсанмикели — это сочетание церкви и зернохранилища. Изначально она была построена как открытая ложа или крытая веранда. Покупатели могли свободно заходить и выходить через открытые арки, покупая зерно, хранившееся на верхних этажах в огромном складе. Здесь также можно было поклоняться у изображения Девы Марии, стоявшего внутри. В четырнадцатом веке арки были замурованы, и здание получило новую жизнь как церковь. Это было ценное место на главной улице между Дуомо и ратушей. Со временем четырнадцать ниш снаружи были заполнены статуями, оплаченных не церковью, а набирающим силу средним классом торговцев. Они заказывали статуи как PR-жесты, нанимая лучших художников поколения. Кстати, большинство из них — копии, оригиналы хранятся в близлежащих музеях. Поскольку большинство статуй на церкви датируются примерно 1400 годом, мы видим точку во Флорентийской истории на грани между средневековьем и Ренессансом.
122. В средние века статуи глубоко вставали в церковные ниши, просто украшая дом Бога. Здесь мы видим на примере статуи Донателло, как человек на пороге Ренессанса, отходит от защиты церкви и выходит из своей ниши. Это Святой Георгий Донателло, 1417 года. Он стоит на краю своей ниши, высматривая драконов и объявляя новую эпоху с новым взглядом на мир. Георгий стоит обеими ногами на земле, его мощная правая рука напряглась, он готовился к атаке, а нахмуренные брови показывают, что в его голове разворачивается драма. Конечно, он встревожен, но в то же время уверен в себе. Это гуманизм: Георгий, христианский герой, убийца драконов, был именно тем праведным воином, за которым гордые флорентийцы эпохи Ренессанса могли следовать в своих войнах с соседними городами. Они приняли святого Георгия Донателло в качестве символа города, как и поколениями позже сделали с Давидом Микеланджело.
123. Святой Марк Донателло. Евангелист Марк держит своё Евангелие в сильной венозной руке и смотрит вдаль. Он опирается на правую ногу, сгибая левую. Эта была первая статуя, которая использовала контрапосто с античных времён. Поскольку статую заказала гильдия льняных торговцев, статуя отличается сложно драпированными мантиями, которые обрамляют естественные контуры тела святого Марка. Только после того, как её подняли в нишу, пропорции, умело спроектированные Донателло, выглядели правильно, и гильдия приняла её. Через восемьдесят лет после того, как молодой Донателло высек эту статую, подросток Микеланджело стоял здесь и восхищался. Донателло был первым великим скульптором Ренессанса. Он овладел реализмом, создав первые по-настоящему натуралистические статуи людей с античных времён в духе ренессансного гуманизма. Донателло ценил красоту плоти и крови человеческих существ. Также бурная личность Донателло послужила моделью для последующих художников: он придумал роль "безумного гения", которую позднее совершенствовал Микеланджело.
124. Грубая статуя средневековой Мадонны с младенцем, датируемая 1399 годом. Это спокойный, но нереалистичный стиль, который художники Ренессанса стремились усовершенствовать. Надпись гласит, что в 1493 году еврей, осквернивший статую, был подвергнут пыткам и убит.
125. Иоанн Креститель, датируемый примерно 1415 годом. Эта статуя святого Иоанна Крестителя, покровителя Флоренции, выполнена Лоренцо Гиберти, тем же мастером, который создал двери баптистерия. Считается, что это первая свободностоящая бронзовая статуя со времён античности, триумф технологии металлолитейного производства, который позволил флорентийцам гордиться своими знаниями и технологиями.
126. Внутри церкви сохранилась средневековая атмосфера и этот алтарь ярко это демонстрирует. Несмотря на отсутствие глубины и реализма, средневековые художники компенсируют это цветом с интригующей смесью мрамора, стекла, золота и дорогого лазурита. Когда он был создан, Флоренция только что пережила ужасную чуму 1348 года, которая унесла половину её населения. Этот табернакль был построен, чтобы показать картину Бернардо Дадди «Мадонны делла Грация». Выжившие в чуме выразили свою благодарность Мадонне. Хотя замечательно видеть искусство в музеях, ещё лучше наслаждаться им вот так, на месте, как задумывал художник.
127. Статуя конца 14го века Верроккио. Справа находятся Христос а слева Фома неверующий. Фома должен прикоснуться к ране на боку Иисуса, одной ногой в небесной нише и другой в нашем реальном мире, Фома — один из нас. Скульптура, созданная десятилетия после работы Донателло и Гиберти, обладает большей динамикой, эмоциями и правильными пропорциями тела человека под тяжёлыми робами.
128.
129. Персей в утренних лучах.
130. Дворик Уффици, расположенный под музеем (на уровне площади) содержит ниши со статуями лучших сыновей Флоренции. Эти флорентийцы практически изобрели наш современный мир. Первая статуя это Козимо Медичи.
131. Лоренцо Великолепный, великий покровитель искусств и талантливый глава семьи Медичи, выдающийся во всем, кроме скромности.
132. Джотто. Как архитектор, он держит план великой колокольни города, которая была названа в его честь, но он также считается первым великим современным художником. Самый уродливый человеком 14го века? Как по мне так вряд ли.
133. А вот и вид из дворика Уфиццы на площадь.
134. Донателло, держащий свои верные молоток и зубило. Его живоподобные статуи на башне Джотто и в церкви Орсанмикеле вдохновили Микеланджело.
135. Леон Баттиста Альберти, автор знаменитой книги «О живописи», которая научила ранних ренессансных художников математике перспективы.
136. Леонардо да Винчи, идеальный человек Ренессанса: учёный, скульптор, музыкант, инженер и художник. Он вырос во Флоренции и распространил свои таланты по Италии и Франции.
137. Микеланджело Буанарротт размышляет о вселенной. Как скульптор, художник, архитектор и глубокомыслящий поэт, Микеланджело распространил флорентийские ренессансные ценности в Риме и за его пределами.
138. Данте Алигьери. С венком из лавровых листьев и в одеянии поэта, он кажется говорить: «Я отец итальянского языка». И это так, ведь он был первым итальянцем, написавшим популярное произведение - «Божественная комедия» не на латинском, а используя флорентийский диалект, который вскоре стал стандартным итальянским по всей стране.
139. Поэтический язык Данте передался следующему поколению писателей. Это Петрарка, он носит лавровые листья из Греции а одежду из Рима.
140. Хитро выглядящий Макиавелли вынашивает планы. Его книга «Государь» учила, что цель оправдывает средства, прокладывая путь для хитрой и изворотливой макиавеллевской политики современности.
141. Галилео, держащий скромный телескоп, с помощью которого он заметил луны Юпитера. Его работа спонсировалась просвещёнными флорентийскими правителями. Рядом с ним великий ботаник Пьер Антонио Микели, первым открывший споры грибов.
142. Америго Веспуччи был исследователем и картографом, давшим имя молодому Новому Свету. Франческо Гуициардини - великий историк первым начавший использовать цитирование источников в своих работах, а также большой друг Макиавелли.
143. Перед вами Понте Веккьо или Старый мост. Он построен из камня и украшен магазинами. Мост пересекает самую узкую часть Арно с римских времён, когда он был построен там, где речная торговля встречалась с главной дороги из Северной Европы в Рим. Даже когда Рим пал, Флоренция на самом деле не пострадала. Она оставалась оживлённым торговым центром вдоль реки на протяжении всего средневековья. После того как наводнение смыло старый деревянный мост, в 1345 году был построен этот. Его исходно занимали мясники и кожевенники, поскольку они могли сбрасывать свои отходы прямо в реку под мостом. Позже их заменят ювелиры. Река Арно течёт с востока на запад, в направлении моста. Она начинается в Апеннинских горах, которые формируют хребет Италии, и спустя двести километров впадает в Средиземное море около Пизы. Уровень Арно сильно варьируется от ручейка до потока, но большая часть этого теперь контролируется плотинами вверху течения. Посетители любуются спокойной рекой и с трудом представляют, что она могла быть разрушительным гигантом. Но редкие, мощные наводнения были частью жизни во Флоренции. Арно смыла Понте Веккьо в 1333 году, а 4 ноября 1966 года сильнейший дождь превратил Арно в стену воды, затопив город грязью на высоту до десяти метров, даже так далеко вглубь города, как Дуомо, где вода достигла двух метров. Десятки людей погибли, почти четырнадцать тысяч семей остались без дома, и огромное количество искусства было потеряно или повреждено. Сегодня на реке спокойно плавают бойдарщики, туристы наслаждаются мостом, а местные жители всё ещё нервничают, когда идёт сильный дождь.
144. Внутренний дворик музея Барджелло погружающий нас в средневековую Флоренцию. Барджелло, построенный в 1255 году, был первым капитолием Флоренции. Снаружи Барджелло действительно похож на мини-Палаццо Веккьо.
145. Тяжёлая фортификация ясно показывает, что поддержание порядка в средневековой Флоренции было связано с профессиональными рисками.
146. Этот музей посвящён почти исключительно скульптуре. Скульптура была идеальной средой для выражения духа ренессансного гуманизма: статуя показывает человеческую форму, стоящую самостоятельно, независимо от церкви, государства или общества, готовую реализовать свой потенциал.
147. Вакх, Микеланджело 1496 год. Пьяный Вакх - греческий бог вина, подносит к губам ещё одну чашу. "Тост!" Вакх полностью обнажён, как и полагается древнему языческому богу, в его волосах традиционные виноградные грозди. Его поза — классическое контрапосто. Микеланджело было всего двадцать один. Это был его первый крупный заказ. Это было время, когда Флоренция была под властью Савонаролы. Молодой Микеланджело бежал в Рим, где он продолжил поддерживать свободный дух Ренессанса. На самом деле, этот Вакх кажется почти как анти-Савонаролой. Молодой Микеланджело как бы говорит Савонароле: "Вот тебе твой взгляд на вещи". При взгляде на Вакха можно мысленно сравнить эту статую с Давидом. Где Давид крепкий, сбалансированный и благородный, Бахус совершенная противоположность. У Бахуса открытый рот и глупые глаза, его плоть обвисает, и у него больше живот и тупой взгляд. Бахус не понравился человеку, который его заказал. Он хотел что-то более классически красивое, но в этом гений Микеланджело: он всегда рисковал, изучал пределы возможного, исследовал новые стили.
148. "Pietà Tondo", также известный как "Мадонна с младенцем и молодым святым Иоанном Крестителем" Микеланджело. Этот круглый мраморный рельеф изображает простую семейную сцену. Дева Мария сидит, пытаясь читать книгу, но младенец Иисус с озорной улыбкой на лице наклоняется и пытается привлечь внимание матери, мешая ей. Слева от Марии, на туманном фоне, находится кузен Иисуса, маленький Иоанн Креститель. Эта работа была выполнена для богатой семьи Питти, которая построила Палаццо Питти. Этот рельеф был высечен всего через несколько лет после падения власти Савонаролы, когда Микеланджело вернулся во Флоренцию. Тогда двадцатилетний скульптор был на пике своих сил, заказы сыпались один за другим. Сначала Флоренция наняла его для создания монументальной статуи Давида, а затем, совершенно меняя темп, Микеланджело переключился на следующий проект — этот тихий маломасштабный рельеф. Круглая форма называется "тондо". В начале 1500-х круглые картины и рельефы были в моде. Работая в готовой круглой раме, Микеланджело создал интересную композицию: Мадонна сидит идеально прямо, вертикально, в то время как её предплечья и бедра почти идеально горизонтальны. Иисус любяще обнимает свою маму, повторяя круглую раму, всё это усиливает идею матери и ребёнка, объятых тёплым кругом семейной любви. Микеланджело затем добавил третье измерение — глубину: видно по скамейке, на которой сидит Мария, выступающей наружу, а её лицо возвышается из камня, как камея. Тондо не закончено, как и Иоанн Креститель — он только набросан, а ноги Иисуса все ещё погружены в мрамор. Слева и справа ещё видны участки грубых зубчатых следов долота, которые ещё не были разглажены. Да, можно почти увидеть, как работал Микеланджело, как эти грубые следы от долота слева и справа — это то, как он впервые врезался в мрамор, чтобы раскрыть фигуры в центре, затем он набросал основные контуры, такие как скамейка и ноги Марии, которые почти завершены. Блузка Марии выглядит наполовину законченной. Да, заметьте его характерную крестообразную технику: некоторые следы долота идут в одну сторону, другие — в другую. Они ещё не отполированы. Начинают проявляться тонкие детали, например, повязка на голове Марии. Многие скульпторы оставляли эту рутинную работу своим помощникам, но заметьте, что, хотя работа только наполовину завершена, Микеланджело уже начал полировать самый важный элемент всего произведения — гладкое лицо Марии, матери Христа. Сравните этот безупречный тондо с гулякой Бахусом. Эти две крайности — христианская и языческая, священная и профанная — будут темами в работах Микеланджело на протяжении всей его долгой жизни.
149. У ног Бахуса — озорной сатир, который ласково обнимает свои любимые грозди винограда и откусывает кусочек. Этого сатира называют первой закрученной змеевидной скульптурой со времён древности.
150. Бюст гения вблизи, тут хорошо виде сломанный нос.
151. "Бюст Брута" Микеланджело. Его черты лица не классически красивы, он подозрительно поворачивается в сторону, и он определённо напряжён — напряженность, которая завораживает. Его сморщенный лоб говорит о том, что он добьётся успеха несмотря ни на что. Это достойное и героическое качество, которого, возможно, не было бы, если бы он был слишком красив. Помните, Брут находится в терзаниях совести: с одной стороны, Цезарь был его другом и наставником, с другой — Цезарь стал диктатором и должен был быть убит. Микеланджело показывает обе стороны этого политического убийцы. С этого ракурса Брут выглядит более героическим, он уверенно смотрит в сторону горизонта, как человек, который сделает всё ради своей страны.
152. Справа видно его опущенный рот и щурящийся глаз, он выглядит более хитрым, насмешливым, зловещим — тип человека, который мог бы убить близкого друга ножом. Когда Микеланджело ваял это в 1540 году, он также был в терзаниях. Флоренция находилась под влиянием тирана Медичи, Микеланджело уехал в Рим, где и сделал эту скульптуру для соотечественника-флорентийца в изгнании. Микеланджело мог почувствовать моральную дилемму Брута: с одной стороны, он был верен Медичи, своей приёмной семье, но он также возмущался тем, кем они стали, и скорбел о потере флорентийской демократии под властью Медичи. В результате получилась статуя, которая передаёт сложность хорошего человека, пытающегося найти свой путь в трудные времена.
153. Изысканный пьедестал с четырьмя прекрасными бронзовыми статуями, который был создан, чтобы поддерживать статую Персея Челлини. Это миниатюра самого пьедестала.
154.
155. Это оригинал Святого Георга Донателло с Орсанмикеле.
156. Это ранний Давид, созданный около 1408 года Донателло. Эта работа из мрамора — первая попытка Донателло поработать над популярной темой Давида, побеждающего Голиафа. Донателло сделал эту скульптуру, когда ему было всего двадцать два года. Вы можете видеть, что наш Донателло все ещё стоит одной ногой в старом готическом мире: как и многие средневековые статуи, Давид полностью одет, одет как средневековый рыцарь, он не обнажён, как позже станет принято в Ренессансе. Тем не менее, Давид показывает немного ноги через разрез на юбке. Лицо Давида стандартное, а глаза пустые, он выглядит не столько реальным человеком, сколько каким-то анонимным святым на фасаде церкви. Вы даже и не догадались бы, что это Давид, если бы не отрубленная голова Голиафа у его ног. Чтобы была яснее, Донателло поместил огромный камень прямо посреди лба Голиафа. Обратите внимание на позу Давида: его правая нога заставляет тело покачиваться в готическом стиле, в то время как левая нога твердо стоит в контрапосто Ренессанса. Сзади статуя плоская, ещё не полностью трёхмерная. Эта статуя была разработана не как свободно стоящая, а чтобы стоять у стены, связанной с ней крюком. Ренессансу ещё предстояло пройти долгий путь.
157. Бронзовый Давид Донателло. Донателло изобразил Давида как обнажённого подростка; на нем только шлем, ботинки и меч. Его кожа гладкая, и он изящно покачивается, игриво тыкая мечом в отрубленную голову Голиафа. Когда Донателло создал эту статую примерно в 1440 году, он уже стал мастером нового смелого стиля Ренессанса. Обратите внимание, как нога Давида полностью установлена в позе контрапосто, перенося вес на одну ногу, но при этом поза придаёт статуе более женственный, а не мужественный вид. Взглянув в кокетливые глаза Давида и на его мягкий живот, получается совсем другой опыт, в отличие от Давида Микеланджело, где Давид — старший и более крепкий человек Ренессанса. Эта статуя — просто мальчик Ренессанса. Бронзовый Давид Донателло был первой свободностоящей обнажённой мужской статуей, которую Европа видела за тысячу лет. Это было чрезвычайно смело в средние века, когда человеческое тело считалось грязным, символом слабости человека, чем-то, что следовало прикрывать и стыдиться. Давид Донателло стоял в доме Медичи, который сегодня является дворцом Палацио Медичи Барди. Микеланджело вырос там, восхищаясь этой самой статуей — самым смелым заявлением тогда ещё развивающегося движения, известного как Ренессанс.
158. А это как раз финалисты конкурса на создание бронзовых дверей баптистерия работы Филипо Бруналески и Лоренцо Гиберти 1401 года. С этого противостояния начался Ренесанс. Это сцена жертвоприношения Исаака, оба художника захватили тот самый момент, когда Авраам, следуя приказу Бога, собирается принести своего единственного сына в жертву. В последний момент, после того как Авраам прошёл это испытание веры, является ангел Божий, чтобы остановить кровопролитие. Гиберти победил, его работа слева. На мой взгляд заслуженно. Гиберти создал знаменитые двери баптистерия, тем временем Брунеллески был свободен, чтобы построить купол Santa Maria del Fiore, а Донателло окончил мастерскую Гиберти, и революционизировал скульптуру. Все трое этих художников вдохновили Микеланджело, который развил их работу и распространил Ренессанс по всей Европе. И все началось с этих панелей.
159.
160. В Борджелло также есть прекрасные примеры средневековой резки по кости.
161.
162.
163. А вот и знаменитое итальянское джелатто. Мороженное кстати тоже придумали именно во Флоренции, и оно тут самое вкусное в мире :) Ира наслаждается.
164.
165. Это вторая по значимости базилика Флоренции — церковь Санта Кроче. Тут похоронены великие сыновья Флоренции. Сама церковь была построена в 1294 году для ордена Францисканцев. Внутри церковь украшена фресками Джотто. Фасад, также как и у Санта Мария дел Фиоре это нео-готический новострой 1860х годов.
166. Нам повезло попасть на традиционный ежегодный флорентийский футбольный матч на площади перед Санта Кроче, который проводится ещё со средневековья на день святого Иоанна Крестителя, покровителя Флоренции. Он называется Calcio Storico, традиционный очень жёсткий вид футбола который сочетает элементы футбола, регби и борьбы играющийся на песке и считающийся предшественником футбола.
167. Данте Алигьери стоит перед церковью и смотрит надменно. У него были сложные отношения с его родным городом, он был изгнан из него в 1301 году папистами. Он так и не вернулся в родной город и умер в 1321 году в Равенне, где и был похоронен, не смотря на его пожелание быть похороненным во Флоренции. Флоренция много раз пыталась получить прах своего сына, но Равенна всегда отказывала и продолжает отказывать. В Санта Кроче для него приготовлен эпитаф, Флоренция продолжает ждать возвращения своего блудного сына.
168. Эпитаф Донателло.
169. Создатель первого радио Маркони.
170. Леонардо да Винчи.
171. Великий физик Енрико Ферми.
172. Галилео Галилей.
173. Поэт Джино Каппони.
174. За несколько сот лет стоптали.
175. Усыпальница Микеланджело.
176. А вот и место для Данте.
177. Николо Макиавелли.
178. Благовещение Донателло 1433 год.
179. Гуманист Ренессанса - Леонардо Бруни.
180. Композитор Россини.
181.
182. Средневековый алтарь Агноло Гадди.
183.
184.
185.
186.
187. А это эпитаф Флоренс Найтингейл. Основательница профессии мед. сестёр. Она англичанка, но родилась она во Флоренции во время отпуска родителей и получила имя города — Флоренс.
188. Внутренний дворик церкви.
189.
190. Поднимаемся на кампанилле Дуомо.
191. Именно этот вид рисовал Ганибал Лектор в молчании ягнят… Со вкусом у него всё было в порядке.
192. Отсюда виден и Санта Кроче и Борджелло.
193.
194. А тут виден Палаццо Векио.
195. Будисты на Via dei Calzaiuoli.
196.
197. А вот и мост Понте Векио изнутри. Ювелиры всё ещё тут. Все остальные мосты через Арно современные и лишь один Векио остаётся памятником средневековья. Все остальные мосты были взорваны отступающими нацистами, но на Векио даже у них рука не поднялась, они оставили его непроходимым но не взорвали.
198. Вид с моста на Уфиццы и вверх по течению Арно.
199. Палаццо Питти, к сожалению и в этот раз до него не дошли. Только полюбовались снаружи.
200. Вид с Пьяццале Микеланджело.
201. Флорентийки селфи мешают делать.
202. Один из лучших видов в Италии.
203.
204.
205. Тут как раз проходила итальянская свадьба! Amaro!
206.
207.
208. Свадьба проходила на террасе под площадью.
209.
210.
211. Какое великолепие! Ляпота!
212.
213.
214.
215. Ночная Арно.
216. Ночной Давид.
217. В этом доме родился Микеланджелло. Пришло время уезжать.
218. Прощай великолепная Флоренция!